アーティストが集う亀岡とウルトラプロジェクトがつなぐ作家と社会「城跡芸術展2026」

会場となる丹波亀山城は、明智光秀が丹波攻略の拠点として1577年頃に築いた城である。江戸時代にも整備が重ねられたが、明治初期の廃城によって建物や石垣などが払い下げられ、城跡は荒廃した。そこを1919年に購入したのが、亀岡出身の大本の教祖、出口王仁三郎だった。信徒たちとともに石垣を修復し、大本の聖地「天恩郷」として整備したのである。大本は1921年と1935年に国家による弾圧を受けており、第一次大本事件に続く第二次大本事件では、亀岡の施設も破壊された。戦後の再建を経て、現在もこの城跡は大本本部として使われている。

王仁三郎は、宗教家であると同時に、書画、詩歌、陶芸など、膨大な作品を残した人物でもある。「芸術は宗教の母なり」と説き、とりわけ晩年の楽茶碗は「耀盌（ようわん）」と呼ばれ、美術の分野でも注目されてきた。歴代教主にも芸術に親しむ文化が受け継がれ、城跡には、武家の城としての歴史と、信仰や芸術の場としての歴史が折り重なっている。

城跡芸術展の主催は、かめおか霧の芸術祭実行委員会と亀岡市であり、大本は会場の提供などで協力している。市の事業としての展覧会と、宗教施設としての運営は区別されているが、その場所が育んできた文化や、建物の佇まいまで切り離すことはできない。茶室や貴賓室など、通常の展示室とは異なる場所で、作品をどのように見せるのか。作家たちは、空間の条件と向き合いながら展示を組み立てている。

山田によると、亀岡との関わりは、2019年頃、陶芸家の松井利夫（京都芸術大学 名誉教授）に声をかけられたことから始まった。最初から展覧会のディレクターとして参加したわけではない。亀岡に関わる作家を訪ね、どのような制作をしているのか、亀岡とどのようなつながりがあるのかを聞くところから始めたという。副産物を受け取るにも、まず、その人が何をつくっているのかを知らなければならない。普段の活動で行ってきた取材やリサーチが、地域の作家を知り、つなぐ仕事へと広がっていったのだ。

出展の条件となる「ゆかり」は、出身や在住だけを指すものではない。亀岡で働いている、かつてスタジオを構えていた、アーティスト・イン・レジデンスで滞在したことがあるなど、さまざまな関係が含まれる。大本にゆかりのある作家もいれば、大学を介してつながった作家もいる。年齢も専門分野も異なる人々が、亀岡という土地を接点として集まっているのである。

山田たちは、参加する作家に、ほかにも亀岡と関わりのある人がいないかと尋ねながら、展覧会を広げている。今回のモフモフコレクティブも、そうした会話の中から実現した。すべての作品に共通の主題を求めるというより、それぞれが持つ関係や表現を持ち寄る形である。

年に一度、顔を合わせることを楽しみに参加する作家もいれば、新しい作品を発表する人や、若手の発表の機会として活用する人もいる。山田が「村祭り」という言葉で説明する展覧会には、世代や活動分野の異なる作家、地域の人々が、それぞれの関わり方で参加する場でもある。地元の祭りやマルシェをきっかけに訪れる人と、遠方から作家を目当てに訪れる人が交わり、少しずつ地域にも馴染んできたという。

副産物産店というと、素材の再利用や循環型社会との関わりから紹介されることが多い。しかし、山田は、自分たちの関心が単にごみを減らすことにあるわけではないとも話す。作品には終わりがあるのか。ものが移動し、誰かに受け渡され、あるいは失われるとき、何が起こるのか。そのような問いも活動の根底にあるという。城跡芸術展でも、作家や作品、場所が持つ異なる背景を知り、それらが出会う関係をつくる姿勢が生きている。

副産物産店は、今年のミュージアムショップのディレクションも担当した。エントランス横に設けられた小屋状のショップには、城跡芸術展の出展作家に加え、亀岡にゆかりのある作家や、同時期に開催された芸術イベントに関わる作家たちの小作品、グッズ、出版物などが並んだ。城跡の各所に展示された作品を鑑賞するだけでなく、作家たちのさまざまな活動を小屋の中で知ることができる。亀岡市にゆかりのある作家たちが、普段どのような制作を行っているのかを可視化する場にもなっていた。

影と霧があらわす、見ることの仕組み

京都芸術大学の教員では、八木良太（情報デザイン学科 准教授）も参加している。八木は、音や光、映像などを用いながら、私たちが見たり聞いたりしている世界の仕組みを捉え直す作品を制作してきた。

《Peter and Wendy》は、ガラスにシルクスクリーンで印刷された透明なテキストを、その影を通して読む作品である。そのままでは読むことができないが、ガラス板は台座から少し浮かせて設置されており、懐中電灯で光を当てると、台座に文字の影が映し出される。影にならなければ読めない作品であり、記されているのはJ・M・バリーの小説 Peter and Wendy（邦題『ピーター・パンとウェンディ』）である。バリーの描く影は、噛みちぎられ、引き出しにしまわれ、針で縫いつけられる。影には通常与えられない物質性が、そこでは与えられている。八木の作品でも、本体であるテキストは読めず、その影だけが意味を担う。本体に従属するはずの影が自立するという転倒において、引用と仕組みは一致している。

いっぽう《The Fog Horn》も、ガラスにシルクスクリーンでテキストが印刷されている。レイ・ブラッドベリの同名の短編「霧笛」を引用し、霧にまつわる文字が刻印されているが、見ようとすると瞬間的にガラスが霧に覆われ、読むことができなくなる。電車などで、車外の景色を見えなくするために窓を白く曇らせる技術が応用されており、見ようとすると霧の中に隠れるという、二律背反した構造によって霧の存在を可視化している。

《I AM AI》は、90度で交差する鏡に「I AM」という文字が配された作品である。鏡を覗き込むと、自分の姿と「私はAIである」という言葉が重なる。鏡の中の自身の虚像が自分はAIだと告げる構造は、今日のAIと人間の関係を考えさせる。

3作品に共通するのは、引用されたテクストの主題を、そのテクストを読ませる装置がそのまま反復していることである。影の物語は影としてしか読めず、霧の物語は霧に隠れて読めない。「私はAIである」という言葉は、鏡の中の虚像としてしか現れない。読むという行為の条件そのものが、読まれる内容と同じものでできている。今日における不確かな存在と亀岡の霧をなぞらえた批評的な作品群であるといえる。

「もふもふ」がつなぐ、異なる世代の表現

モフモフコレクティブの活動は、『瓜生通信』でも以前に紹介している。2022年、香川県の「おいでまい祝祭2022」で、ヤノベは小西葵、山口京将とともに「モフモフコレクティブ」として展示を行った。会場はWeBase高松や商店街などに広がり、ホテルには作品と過ごせるアーティストルームも設けられた。学生たちもポスターなどの制作に参加し、街に作品を届けていた。

4年を経た今年は、ヤノベと山口に佐久間花音（京都芸術大学大学院1年生）が加わり、「モフモフコレクティブ2026」として再び集まった。柔らかな毛並み、編み物、動物や架空の生き物を思わせる造形。それぞれに異なる表現が、触覚への関心によってつながっている。

ヤノベは、赤く塗装されたステンレスを用いた《SHIP’S CAT (LWSC-01)》を出品し、佐久間花音が制作したこたつ状の作品《こたつ》のテーブルの上に置いたほか、《SHIP’S CAT (Mofumofu22)》のミニチュアの作品など、尻尾がもふもふとしたファーになっている作品も合わせて展示した。全体としては、《SHIP’S CAT　(LWSC-01) 》を中心に、佐久間の《shinshi》や山口の彫刻が四方を取り囲む、マンダラ状の展示となった。

もともと彫刻は、石や木、金属のような硬い素材でつくられることが多い。それに対して、毛並みや布の柔らかさは、作品に触れてみたい、近づいてみたいという気持ちを誘う。ただし、3人がつくるのは、単に可愛らしいものばかりではない。親しみと違和感が隣り合うことで、見る人は、その存在との距離を少しずつ測り直すことになる。

山口が制作するのは、人間のような顔と、人間ではない身体をもつ架空の生き物である。今回は達磨のような身体を持つ代表的な作品《ミムズシ》を展示した。その他にも、平たいものや、蛇のような形もある。顔には皺やほうれい線が刻まれ、赤ちゃんのようにも、年を重ねた人のようにも見える。特定の人物や年齢、性別を思わせないよう、さまざまな要素を組み合わせているという。

その出発点には、小学校1年生頃の記憶があった。母親が冗談で、「さっきまでベランダに人面の鳥がいた」と話したのである。幼い山口はそれを信じ、見つかるはずのない生き物を探し続けた。見られなかったからこそ、想像の余地が残る。その鳥が暮らす世界があるなら、ほかにはどのような生き物がいるのだろう。山口の制作は、1羽の鳥の再現から、まだ見たことのない世界を形にすることへと広がっていった。記憶や思い出の余白を想像し、立体にすることで、もう追いつけないものに少しでも近づこうとしているのだという。

ファーを使う理由にも、その遠さと近さが関係している。見られなかった生き物は手の届かない存在である一方、その話は母親との身近な思い出でもある。犬や猫を思わせる毛並みは親近感を生むが、鮮やかな色は、現実にはいない生き物であることを示す。身近さと未知の感覚を、同じ素材の中に置いているのである。

顔にも独自の工夫がある。シリコン型で成形するエポキシ樹脂を、透明と半透明の層に分けて重ね、ほのかな奥行きのある質感をつくる。初めからこの方法だったわけではなく、塗装などを試しながらたどり着いたという。毛並みとの組み合わせによって、見慣れた人形とも動物とも違う存在感が生まれる。

山口は、人を怖がらせることを目的にしているわけではない。最初は不気味だと感じても、見ているうちに愛着が湧いてくる。その変化を大切にしている。会場で小さな作品を求める人がいることからも、未知の生き物が、誰かの日常へ迎え入れられていく様子がうかがえる。

一方、佐久間がつくるのは、作品の中に入って、包まれる感覚を味わうことのできる空間である。中心にあるのは《こたつ》だ。家の中で人が集まり、くつろぐ場所としての「こたつ」を、編み物を用いた体験型のインスタレーションへと展開した。

こたつを覆うタペストリーは白い毛糸でできており、その中に《shinshi》のキャラクターが編み込まれている。鑑賞者は実際にテーブルの下に入り、タペストリーに触れることもできる。柔らかな毛糸に包まれ、「もふもふ」とした質感を身体で感じることのできるインスタレーションである。

周囲には、動物を思わせるオリジナルのキャラクター《shinshi》が配置されている。日本のアニミズムと西洋の守護思想を背景に、目には見えにくいが存在するものとして考えたキャラクターだという。特定の神話の動物を再現するのではなく、異なる考え方が共にあることを、自分なりの造形にしている。

MDFやアクリルを使った造形と、糸でつなぐ構造には、茨木市の文化・子育て複合施設「おにクル」で開催したウルトラプロジェクト「おにクル×シップス・キャットプロジェクト」でのワークショップから得たヒントも生きている。平面でありながら立体にも見える形と、手で編む柔らかな素材とが組み合わさり、人が入れる場所へと広がった。編み物には約2か月をかけたという。見るだけでなく、中に入り、触覚を通じて落ち着きや安心感を感じてもらうことが、佐久間の狙いである。

補色を利用した、鮮やかな配色について尋ねると、後から佐久間自身が、その背景を補足してくれた。祖母はブラジル出身で、日本でブラジルの店を営んでいた。小学6年生のときには、自身もブラジル北部のベレンに約4か月滞在している。そうした幼少期からの経験も、好きな色や色彩感覚につながっているという。複数の文化に触れてきた経験は、キャラクターの考え方にも重なっている。

ただし、自分の作品として空間全体をつくることは、簡単ではなかった。プロジェクトの一員として参加していたときには、実現できるのが当たり前のように思えていたことも、1人で取り組むと、素材を集めること、費用を考えること、技術を身につけることの難しさが見えてくる。共同制作で経験したことの大きさを、自身の制作を通じて改めて実感したという。

3人の展示とあわせて会場で来場者を迎えたのが、《SHIP’S CAT》の着ぐるみである。昨年は《SHIP’S CAT (Muse)》をモデルにした着ぐるみが人気となったが、今年は《SHIP’S CAT　(Ultra Muse / Black)》をモデルにしたものも制作され、会場に登場して話題となった。彫刻として生まれたキャラクターが、グッズになるだけでなく、人々と直接出会う存在へと広がっていることを示していた。

学生がつくる、訪問者を迎えるための屋台

展示とともに来場者を迎えるのが、ウルトラプロジェクトの学生たちによるグッズコーナーである。昨年に続いて参加した2人の学生に話を聞いた。ともにキャラクターデザイン学科の2年生で、1年生のときからプロジェクトに参加している。

その1人、大塚撫子は、昨年、大阪・北加賀屋の大型アート収蔵庫MASKで開催された「Open Storage 2025 LUCA：THE LANDING」にも参加していた。キャラクターデザイン学科の野口つかさとともにVTuberの企画を提案し、大塚はヤノベの《サン・シスター》をもとにした「宙来なぎさ」を制作、自身で声も担当した。オープニングイベントでは、野口が制作した「きゃぷしーちゃん」とともにライブで登場し、会場を盛り上げた。学生のアイデアから、ヤノベ作品の世界が新たなキャラクターへと広がったのである。

もう1人の藤田夢菜も、同じキャラクターデザイン学科の2年生であり、昨年は猫がぐたっとした《SHIP’S CAT》のグッズ「ぐで猫」を制作し、大評判となった。今年、学生たちが制作したグッズ販売用の屋台「モフモフぷらねっこ」では、デザインと構造を主導した。

藤田は、もともとキャラクターに関わる仕事をしたいと考えていた。しかし、画面に向かって絵を描くだけにとどまらず、身体を動かして、立体もつくってみたいという思いがあった。高校時代から立体制作も行い、オープンキャンパスで制作途中の作品やヤノベに出会った経験が、プロジェクトへの参加を目指すきっかけになったという。

今年、学生たちはモフモフコレクティブの展示に合わせ、自分たちも新しいものをつくりたいと提案した。そこから生まれたのが、グッズと販売用の屋台である。当初は着ぐるみとともに各所を移動して売り歩くような案もあったというが、制作が進むと屋台は相当な重さになった。思い描いたことを実現する過程で、構造や材料、運用上の条件に向き合うことになったのである。

GINZA SIXで展示された巨大インスタレーション《BIG CAT BANG》になぞらえて、《太陽の塔》と《SHIP’S CAT》を組み合わせた、巨大な猫耳を持つ屋台には、学生たちがつくったオリジナルグッズが展示されている。屋台は展示棚として機能するだけでなく、背面にはグッズを収納できる棚や簡易的な作業テーブルも設置され、機能面にもさまざまな工夫が施されている。これは藤田が主導し、ウルトラファクトリーのテクニカルスタッフのサポートを受けながら、プロジェクトに参加した学生たちが制作したものだ。

さらに、藤田は、屋台のデザインや構造に加えて、顔の立体部分を担当した。グッズのデザインにも関わりながら、今年は制作作業そのものに加えて、運営や広報にも力を入れているという。写真を撮り、告知の文章を考え、SNSを動かす。作品をつくる力に加えて、それを人に届けるための仕事を、自分たちで引き受けている。

大がかりになった展示用の屋台の費用は、グッズの売り上げで賄うことになっており、もし売れなければ、学生たちが自分で負担することになっていたという。それはヤノベのちょっとした冗談だったのかもしれないが、学生たちにとっては、つくって終わりではなく、費用も含めて販売を考える機会となった。幸い、初日の売上で屋台の費用を超えたという。

大塚は、昨年の経験について、頑張ったことへの評価とは別に、売上という明確な数字が出てくることに驚いたと話す。さらに、SNSに購入したグッズの写真が投稿され、来場者の反応が直接見えるようになったことも、それまでになかった経験だったという。どれがたくさん売れるかというのも学生の最大の関心事であり、それが重要なマーケティングにもなっている。

今年、話題を集めた商品の一つが、取材で「ミスティボトル」と呼ばれていたボトルである。既製の霧吹きをもとに、3Dプリンターで精巧に制作したキャップや、印刷したラベルを組み合わせている。霧の芸術祭という場と結びつきながら、《SHIP’S CAT》を身近な道具として楽しめる商品だ。香川など遠方から家族で訪れ、グッズを求める人もいたという。

学生たちは、それぞれ《SHIP’S CAT》をモチーフにしながら様々なグッズを制作している。特にキーチャームやステッカー、Tシャツなどは豊富な絵柄が制作され、アクリルキーホルダーは福袋形式で選べない仕組みであることもあって一人でたくさんの購入をした方もおられたという。Tシャツはシルクスクリーンで刷られており、ウルトラファクトリーの工房があるからこそ実現できる点も大きい。

人気が出れば、それで解決というわけでもない。制作できる数には限りがある。先着順にすると早くから人が並び、抽選にしても運営の難しさが生まれる。どうすれば来場者に届けられるのか、学生たちはヤノベやスタッフと相談しながら、販売方法まで考えていた。

そうした経験は、商品を見る目も変えていく。藤田は、昨年の反応を踏まえ、今年は誰に喜んでもらえそうかを考えてデザインするようになったという。子どもを想定したものや、大人にも使ってもらえそうなもの。しかし、実際には想定より幅広い年代が買ってくれた商品もあった。受け取る相手を考えることと、自分の予想を超える反応に出会うこと。その両方が、制作の手応えになっている。

自分の表現を社会へ届けるための経験

ウルトラプロジェクトでは、第一線で活動する作家と共に制作し、その作品が社会へ出ていく過程を経験することができる。しかし、得られるのは、道具や素材を扱う技術だけではない。今回の取材では、自分の表現をどのように人に届け、続けていくのかという問いが、学生や卒業生の言葉から繰り返し聞こえてきた。

藤田は、以前は、イラストを描くならイラストレーターというように、やりたいことを既存の職業やジャンルに結びつけて考えていたという。ところが、ヤノベや米山舞など、ジャンルに収まらない活動を間近で見ることで、その枠から外れることにも、自分の独自性があると感じるようになった。今は、キャラクターがもつ物語を、平面や映像の中だけでなく、自分たちの暮らす三次元の世界へ広げる表現を考えている。

また、グッズ販売を通じて受け取る相手が見えたことで、今後は、作家が作品を通して発信したいことを、鑑賞者がどう受け取っているのかまで見てみたいと話す。販売数だけでは分からない、作品が人に及ぼす影響への関心である。自分自身が作り手として成長するためにも、作家と鑑賞者のやり取りを身近で見続けたいのだという。　　　

大塚も、将来は作家として活動したいと考えている。技術を学ぶと同時に、作家が人との関係をどのようにつくり、活動を展開していくのかを知ることが、自分の引き出しを増やす経験になると話した。目の前の作家をそのまま真似するためではなく、自分のやり方を見つけるために、さまざまな実践を見ているのである。

卒業後も制作を続ける山口は、今回の展示への参加について語る中で、ヤノベからかけられた言葉を紹介してくれた。自分をロケットのエンジンだと思ってほしい、君たちはロケットそのものだから飛んでいってほしい、という趣旨の言葉である。知名度や活動の場を、若い作家が自分の表現を届けるための推進力にする。その姿勢を、山口も心強く受け止めていた。

亀岡にゆかりのある作家を訪ね、そのつながりから展覧会をつくる副産物産店。異なる世代の作家が、それぞれの表現を持ち寄るモフモフコレクティブ。作品の世界を手元へ持ち帰れる形にして、来場者へ届ける学生たち。それぞれの活動は異なっていても、制作を通じて人との関係が生まれ、次の表現へとつながっている。

城跡芸術展は、地域に蓄積された創造の力を紹介すると同時に、これから活動していくアーティストが、社会との関わり方を試す場所にもなっていた。会場で出会った触れる柔らかな造形や、グッズを手にする人々の姿には、今まで霧のように不確かであった芸術と鑑賞者、社会の関係が、人々の日常の中でつながっていく確かな過程として学生には見えていたに違いない。

（取材・文：三木 学）

 

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